Música electrónica y su escena local en España

Música electrónica, cualquier música que implique procesamiento electrónico, como grabación y edición en cinta, y cuya reproducción implique el uso de altavoces.

Aunque cualquier música producida o modificada por medios eléctricos, electromecánicos o electrónicos puede llamarse música electrónica, es más preciso decir que para que una pieza de música sea electrónica, su compositor debe anticipar el procesamiento electrónico que posteriormente se aplica a su música. concepto, para que el producto final refleje de alguna manera la interacción del compositor con el medio. Esto no es diferente de decir que un compositor debe tener en mente una orquesta al componer una sinfonía y un piano al componer una sonata para piano. Una pieza convencional de música popular no se convierte en música electrónica al tocarla en una guitarra amplificada electrónicamente, ni una fuga de Bach se convierte en música electrónica si se toca en un órgano electrónico en lugar de un órgano de tubos. Algunas composiciones experimentales, que a menudo contienen elementos aleatorios y quizás de puntuación indeterminada, permiten pero no necesariamente exigen la realización electrónica, pero esta es una situación especializada.

La música electrónica se produce a partir de una amplia variedad de recursos de sonido, desde sonidos captados por micrófonos hasta los producidos por osciladores electrónicos (que generan formas de onda acústicas básicas como ondas sinusoidales, ondas cuadradas y ondas de diente de sierra), instalaciones complejas de computadora y microprocesadores. se graban en cinta y luego se editan en forma permanente. En general, a excepción de un tipo de música interpretada que se ha denominado «música electrónica en vivo» (ver más abajo), la música electrónica se reproduce a través de altavoces, ya sea solo o en combinación con instrumentos musicales comunes.

Durante el siglo XIX, se hicieron intentos para producir y grabar sonidos de forma mecánica o electromecánica. Por ejemplo, el científico alemán Hermann von Helmholtz trazó formas de onda de sonidos regulares para verificar los resultados de sus investigaciones acústicas. Un evento importante fue la invención del fonógrafo por Thomas Edison y Emile Berliner, independientemente, en las décadas de 1870 y 1880. Esta invención no solo marcó el comienzo de la industria discográfica, sino que también mostró que todo el contenido acústico de los sonidos musicales podía capturarse (en principio, si no en la actualidad en ese momento) y conservarse fielmente para su uso futuro.

El primer esfuerzo importante para generar sonidos musicales eléctricamente fue realizado durante muchos años por un estadounidense, Thaddeus Cahill, quien construyó un formidable conjunto de generadores rotativos y receptores telefónicos para convertir las señales eléctricas en sonido. Cahill llamó a su notable invento el telharmonium, que comenzó a construir alrededor de 1895 y continuó mejorando durante años a partir de entonces. El instrumento falló porque era complejo, poco práctico y no podía producir sonidos de ninguna magnitud ya que los amplificadores y altavoces aún no se habían inventado. Sin embargo, los conceptos de Cahill eran básicamente sólidos. Era un visionario que vivió antes de su tiempo, y su instrumento fue el antepasado de los sintetizadores de música electrónica actuales.

El pintor futurista italiano Luigi Russolo fue otro de los primeros exponentes de la música sintetizada. Ya en 1913, Russolo propuso que se destruyera toda la música y que se construyeran nuevos instrumentos que reflejaran la tecnología actual para interpretar una música expresiva de la sociedad industrializada. Posteriormente, Russolo construyó una serie de intonarumori (instrumentos de ruido) activados mecánicamente que rechinaban, silbaban, rascaban, retumbaban y chillaban. Los instrumentos de Russolo y la mayoría de su música aparentemente desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial.

Impacto de los desarrollos tecnológicos.
Entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, se produjeron desarrollos que condujeron más directamente a la música electrónica moderna, aunque la mayoría de ellos eran técnicamente, más que musicalmente, importantes. Primero fue el desarrollo de la tecnología de audio frecuencia. A principios de la década de 1920, se habían inventado circuitos básicos para generadores de onda sinusoidal, cuadrada y de diente de sierra, al igual que amplificadores, circuitos de filtro y, lo más importante, altavoces. (Las ondas sinusoidales son señales que consisten en «tonos puros», es decir, sin sobretonos; las ondas de diente de sierra comprenden tonos fundamentales y todos los sobretonos relacionados; las ondas cuadradas consisten solo en parciales impares, o tonos componentes, de la serie armónica natural). , la grabación acústica mecánica fue reemplazada por la grabación eléctrica a fines de la década de 1920.

El segundo fue el desarrollo de instrumentos musicales electromecánicos y electrónicos diseñados para reemplazar los instrumentos musicales existentes, específicamente, la invención de los órganos electrónicos. Este fue un logro notable y que atrajo la atención de muchos inventores y diseñadores de circuitos ingeniosos. Sin embargo, debe enfatizarse que el objetivo de estos constructores de órganos era simular y reemplazar órganos de tubos y armonios, no proporcionar instrumentos novedosos que estimularan la imaginación de los compositores de vanguardia.

La mayoría de los órganos electromecánicos y electrónicos emplean síntesis sustractiva, al igual que los órganos de tubos. Las señales ricas en parciales armónicos (como las ondas de diente de sierra) son seleccionadas por el intérprete en el teclado y combinadas y formadas acústicamente por circuitos de filtro que simulan los espectros formantes o de frecuencia de resonancia, es decir, los componentes acústicos de las paradas de órganos convencionales. El formante depende del circuito de filtro y no se relaciona con la frecuencia de un tono que se produce. Un tono bajo formado por un formante dado (una parada dada) normalmente es rico en armónicos, mientras que un tono alto normalmente es pobre en ellos. Psicológicamente, uno espera esto de todos los instrumentos musicales, no solo de órganos sino también de instrumentos de orquesta.

Algunos órganos electrónicos operan según el principio opuesto de síntesis aditiva, mediante el cual las ondas sinusoidales generadas individualmente se suman en proporciones variables para producir una forma de onda compleja. El más exitoso de ellos es el órgano Hammond, patentado por Laurens Hammond en 1934. El órgano Hammond tiene cualidades extrañas porque la riqueza de su contenido armónico no disminuye a medida que el jugador sube al teclado. El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (en Momente, 1961–62), el compositor noruego Arne Nordheim (en Colorazione, 1968) y algunos otros han puntuado específicamente para este instrumento.

Tercero, el desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos diseñados para suministrar timbres no proporcionados por instrumentos musicales ordinarios. Durante la década de 1920 hubo una gran explosión de interés en la construcción de una extraordinaria variedad de tales instrumentos, desde prácticos hasta absurdos. Los más exitosos fueron relativamente pocos en número, fueron monofónicos (es decir, solo podían tocar una línea melódica a la vez) y sobrevivieron principalmente porque alguna música importante creó nuevos estilos y tendencias a lo largo de los años consolidando así la escena electrónica española y europea.

La era EDM: 2000 hasta hoy

Desde 2000, la música electrónica de baile (EDM) ha crecido de un género popular a una parte influyente de toda la música convencional. Hoy, artistas electrónicos icónicos como Tiësto y David Guetta han trabajado con artistas convencionales y llegaron a la cima de las listas de álbumes y singles más importantes.

Al mismo tiempo, géneros como dubstep y trance han influido en la estructura de la música pop convencional. Desde Taylor Swift hasta Justin Bieber, muchos de los artistas pop más populares de la actualidad han implementado aspectos de dubstep, house y trance en sus singles.

Aunque la música electrónica es más popular que nunca, sigue siendo un género que existe tanto dentro como fuera de la corriente principal. Mientras que el dubstep y el electro ingresaron al mundo de la música pop, muchos de los artistas más icónicos del mundo electrónico continúan produciendo música dirigida no a la corriente principal sino a audiencias más pequeñas y subterráneas.

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Parte del gran crecimiento de la música electrónica se puede atribuir a Internet. La popularidad de los sitios web sociales como YouTube y SoundCloud ha hecho que encontrar nueva música sea más fácil que nunca, difundiendo música electrónica a nuevos oyentes.

También facilita la promoción de la música. Los nuevos artistas que habrían tenido que encontrar sus propios distribuidores o firmar acuerdos discográficos hace décadas pueden compartir su música a través de las redes sociales y distribuirla a través de medios como Beatport e iTunes.

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Internet también ha hecho que producir música electrónica sea más fácil que nunca. La disponibilidad de aplicaciones como FL Studio, Ableton Live y Logic Pro le da a cualquiera la posibilidad de convertirse en productor de música electrónica si así lo desea.

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El futuro de la música electrónica.
En los últimos 40 años, la música electrónica ha crecido de un nicho subterráneo a uno de los géneros más grandes del mundo. Cada día, sigue creciendo más, impulsado por la popularidad de sitios web como SoundCloud, Beatport y YouTube.

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La era del sintetizador: la década de 1980

Piensa en synthpop y probablemente pienses en la década de 1980. La era de la ostentación, el glamour y el exceso fue un gran momento para la música electrónica, con nuevos estilos como synthpop y house, así como nuevas tecnologías como MIDI emergente.

Muchos de los estilos de música electrónica más populares de la actualidad, como el house y el trance, son producto de la música de sintetizador de los años ochenta. La escena del club de la década de 1980 hizo estilos new wave, post-disco y synthpop bien conocidos y trajo la música electrónica a la corriente principal.

Bandas como A-ha, Pet Shop Boys y Depeche Mode combinaron la estructura de la música rock con los nuevos sonidos posibles gracias al MIDI. Incluso las bandas de hard rock como The Sisters of Mercy adoptaron la música electrónica, utilizando efectos MIDI y cajas de ritmos para crear nuevas formas de música como dark wave y dance alternativo.

Hacia finales de la década de 1980, una banda como Orbital creó las bases para géneros de música dance como el trance y el techno. La creciente popularidad de las computadoras domésticas como Atari ST introdujo la tecnología MIDI a una amplia audiencia de productores.

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La década de 1970 marcó el comienzo de la música dance moderna y la década de 1980 marcó su avance comercial, pero no fue hasta la década de 1990 que la música electrónica se convirtió en el género masivo que es hoy.

Durante la década de 1990, surgieron distintos géneros de música electrónica, desde hard house y techno hasta ambiental y experimental. La década de 1990 también marcó el surgimiento de géneros de música electrónica conocidos como el trance y el drum and bass.

Los éxitos electrónicos influyentes de la época incluyen Halcyon + on + on, una famosa canción de trance ambiental de la banda inglesa Orbital. Al mismo tiempo, el techno se desarrolló a partir de una forma de música underground en un estilo convencional en Alemania y el Reino Unido.

La década de 1990 también fue la primera década en la que la composición de música electrónica se convirtió en algo que cualquiera podía hacer. La popularidad masiva de las PC resultó en la creación de un nuevo software como Fruity Loops (ahora FL Studio) dirigido a usuarios domésticos.

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Historia de la música electrónica: desde la década de 1970 hasta hoy

Desde el dubstep hasta la discoteca, la música electrónica es una amplia categoría de música moderna que incluye una amplia variedad de estilos. Si bien la mayoría de la gente piensa en la música electrónica como un producto del siglo XXI, la realidad es que la música electrónica ha existido durante casi 50 años.

Desde los famosos sintetizadores Moog de rock progresivo hasta los himnos de Kraftwerk y Giorgio Moroder, sigue leyendo y aprende la historia de la música electrónica, desde principios de la década de 1970 hasta el dubstep, el trance y las superestrellas del house de hoy.

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Los orígenes de la música electrónica
Piensa en la música electrónica temprana y probablemente imagines los himnos disco de finales de los 70 y principios de los 80. Aunque la música electrónica no se hizo popular hasta mediados de la década de 1970, los artistas usaban instrumentos electrónicos desde la década de 1960.

Las bandas de rock progresivo como Pink Floyd hicieron del icónico sintetizador Moog uno de los aspectos más importantes de su sonido. Las bandas de pop rock como The Beatles también comenzaron a incorporar teclados y sintetizadores en algunas de sus canciones experimentales.

Al mismo tiempo, los compositores estaban utilizando nuevos instrumentos como el Theremin en su trabajo, particularmente en la industria del cine. El sintetizador comercial Moog, lanzado a mediados de la década de 1960, es considerado como el primer instrumento icónico de la música electrónica.

Aunque los instrumentos electrónicos se usaban en la década de 1960, no fue hasta la década de 1970 cuando la música electrónica entró en la corriente principal. Bandas como Kraftwerk, una banda icónica de Alemania Occidental, presentaron el sonido electrónico a un público más amplio.

Formado en la década de 1980, Kraftwerk combinó los ritmos de conducción de bandas como Led Zeppelin y Deep Purple con los sonidos futuristas del sintetizador y vocoder Moog. En la década de 1970, su nuevo sonido interesante influyó en una amplia variedad de músicos y creó las bases para la escena de la música electrónica.

Una vez que Kraftwerk introdujo la música electrónica en la escena musical de la década de 1970, pronto siguieron otros artistas. Giorgio Moroder, ahora famoso por su participación en Daft Punk, utilizó instrumentos electrónicos para capitalizar la creciente tendencia de la música disco.

Moroder colaboró ​​con artistas convencionales para llevar música electrónica a una nueva audiencia, produciendo temas para Donna Summer, David Bowie y más. Su uso de sintetizadores introdujo el sonido electrónico a la corriente principal musical.

Aunque la música electrónica creció en popularidad durante la década de 1970, la mayoría de las pistas electrónicas todavía usaban la estructura del pop o el rock and roll. No fue hasta la década de 1980 cuando surgieron por sí solos synthpop, dance y otros géneros.