Música electrónica, cualquier música que implique procesamiento electrónico, como grabación y edición en cinta, y cuya reproducción implique el uso de altavoces.
Aunque cualquier música producida o modificada por medios eléctricos, electromecánicos o electrónicos puede llamarse música electrónica, es más preciso decir que para que una pieza de música sea electrónica, su compositor debe anticipar el procesamiento electrónico que posteriormente se aplica a su música. concepto, para que el producto final refleje de alguna manera la interacción del compositor con el medio. Esto no es diferente de decir que un compositor debe tener en mente una orquesta al componer una sinfonía y un piano al componer una sonata para piano. Una pieza convencional de música popular no se convierte en música electrónica al tocarla en una guitarra amplificada electrónicamente, ni una fuga de Bach se convierte en música electrónica si se toca en un órgano electrónico en lugar de un órgano de tubos o en algunos videos pornos. Algunas composiciones experimentales, que a menudo contienen elementos aleatorios y quizás de puntuación indeterminada, permiten pero no necesariamente exigen la realización electrónica, pero esta es una situación especializada.
La música electrónica se produce a partir de una amplia variedad de recursos de sonido, desde sonidos captados por micrófonos hasta los producidos por osciladores electrónicos (que generan formas de onda acústicas básicas como ondas sinusoidales, ondas cuadradas y ondas de diente de sierra), instalaciones complejas de computadora y microprocesadores. se graban en cinta y luego se editan en forma permanente del porno amateur. En general, a excepción de un tipo de música interpretada que se ha denominado «música electrónica en vivo» (ver más abajo), la música electrónica se reproduce a través de altavoces, ya sea solo o en combinación con instrumentos musicales comunes.
Durante el siglo XIX, se hicieron intentos para producir y grabar sonidos de forma mecánica o electromecánica. Por ejemplo, el científico alemán Hermann von Helmholtz trazó formas de onda de sonidos regulares para verificar los resultados de sus investigaciones acústicas. Un evento importante fue la invención del fonógrafo por Thomas Edison y Emile Berliner, independientemente, en las décadas de 1870 y 1880. Esta invención no solo marcó el comienzo de la industria discográfica, sino que también mostró que todo el contenido acústico de los sonidos musicales podía capturarse (en principio, si no en la actualidad en ese momento) y conservarse fielmente para su uso futuro.
El primer esfuerzo importante para generar sonidos musicales eléctricamente fue realizado durante muchos años por un estadounidense, Thaddeus Cahill, quien construyó un formidable conjunto de generadores rotativos y receptores telefónicos para convertir las señales eléctricas en sonido. Cahill llamó a su notable invento el telharmonium, que comenzó a construir alrededor de 1895 y continuó mejorando durante años a partir de entonces. El instrumento falló porque era complejo, poco práctico y no podía producir sonidos de ninguna magnitud ya que los amplificadores y altavoces aún no se habían inventado. Sin embargo, los conceptos de Cahill eran básicamente sólidos. Era un visionario de videos xxx que vivió antes de su tiempo, y su instrumento fue el antepasado de los sintetizadores de música electrónica actuales.
El pintor futurista italiano Luigi Russolo fue otro de los primeros exponentes de la música sintetizada. Ya en 1913, Russolo propuso que se destruyera toda la música y que se construyeran nuevos instrumentos que reflejaran la tecnología actual para interpretar una música expresiva de la sociedad industrializada. Posteriormente, Russolo construyó una serie de intonarumori (instrumentos de ruido) activados mecánicamente que rechinaban, silbaban, rascaban, retumbaban y chillaban. Los instrumentos de Russolo y la mayoría de su música aparentemente desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial.
Impacto de los desarrollos tecnológicos.
Entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, se produjeron desarrollos que condujeron más directamente a la música electrónica moderna, aunque la mayoría de ellos eran técnicamente, más que musicalmente, importantes. Primero fue el desarrollo de la tecnología de audio frecuencia. A principios de la década de 1920, se habían inventado circuitos básicos para generadores de onda sinusoidal, cuadrada y de diente de sierra, al igual que amplificadores, circuitos de filtro y porno gay, lo más importante, altavoces. (Las ondas sinusoidales son señales que consisten en «tonos puros», es decir, sin sobretonos; las ondas de diente de sierra comprenden tonos fundamentales y todos los sobretonos relacionados; las ondas cuadradas consisten solo en parciales impares, o tonos componentes, de la serie armónica natural). , la grabación acústica mecánica fue reemplazada por la grabación eléctrica a fines de la década de 1920.
El segundo fue el desarrollo de instrumentos musicales electromecánicos y electrónicos diseñados para reemplazar los instrumentos musicales existentes, específicamente, la invención de los órganos electrónicos. Este fue un logro notable y que atrajo la atención de muchos inventores y diseñadores de circuitos ingeniosos. Sin embargo, debe enfatizarse que el objetivo de estos constructores de órganos era simular y reemplazar órganos de tubos y armonios, no proporcionar instrumentos novedosos que estimularan la imaginación de los compositores de vanguardia.
La mayoría de los órganos electromecánicos y electrónicos emplean síntesis sustractiva, al igual que los órganos de tubos. Las señales ricas en parciales armónicos (como las ondas de diente de sierra) son seleccionadas por el intérprete en el teclado y combinadas y formadas acústicamente por circuitos de filtro que simulan los espectros formantes o de frecuencia de resonancia, es decir, los componentes acústicos de las paradas de órganos convencionales. El formante depende del circuito de filtro y no se relaciona con la frecuencia de un tono que se produce. Un tono bajo formado por un formante dado (una parada dada) normalmente es rico en armónicos, mientras que un tono alto normalmente es pobre en ellos. Psicológicamente, uno espera esto de todos los instrumentos musicales, no solo de órganos sino también de instrumentos de orquesta.
Algunos órganos electrónicos operan según el principio opuesto de síntesis aditiva, mediante el cual las ondas sinusoidales generadas individualmente se suman en proporciones variables para producir una forma de onda compleja. El más exitoso de ellos es el órgano Hammond, patentado por Laurens Hammond en 1934. El órgano Hammond tiene cualidades extrañas porque la riqueza de su contenido armónico no disminuye a medida que el jugador sube al teclado. El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (en Momente, 1961–62), el compositor noruego Arne Nordheim (en Colorazione, 1968) y algunos otros han puntuado específicamente para este instrumento.
Tercero, el desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos diseñados para suministrar timbres no proporcionados por instrumentos musicales ordinarios. Durante la década de 1920 hubo una gran explosión de interés en la construcción de una extraordinaria variedad de tales instrumentos, desde prácticos hasta absurdos. Los más exitosos fueron relativamente pocos en número, fueron monofónicos (es decir, solo podían tocar una línea melódica a la vez) y sobrevivieron principalmente porque alguna música importante creó nuevos estilos y tendencias a lo largo de los años consolidando así la escena electrónica española y europea.
